La música se considera una parte integral de cualquier buena película: las bandas sonoras se escuchan, se compran en medios físicos, se revisan escenas con ellas. Pero ¿por qué sucede esto? Para el proyecto conjunto Rules of Life x Spotify “Listen to Movies”, el periodista Artem Makarsky explica por qué y cómo la música afecta la percepción de la imagen y cómo han cambiado las tendencias en la música de cine desde principios del siglo XX hasta el presente.
Imágenes de Bettmann / Getty
Ahora, la banda sonora se ha convertido en una parte integral de casi cualquier película y, en ocasiones, simplemente puedes ignorarla. Pero no siempre fue así: el cine mudo, a partir de La salida de los obreros de la fábrica (1895) y La llegada del tren (1896) de los hermanos Lumiere, carecía por completo de sonido; sin embargo, la novedad de la imagen hizo que el sonido fuera casi tangible para los primeros visitantes de las proyecciones de películas. El filósofo e historiador del arte francés Gaston Bachelard, en su poética del espacio, planteó la pregunta “¿Cómo se puede ver lo inaudible?” y encontró una respuesta especulativa. Poseyendo solo un aparato mental filosófico, escribió: “Hay formas complejas que, incluso en reposo, pueden producir sonidos”.
En 2018, científicos de la Universidad de Londres encontraron apoyo científico para sus afirmaciones al estudiar el mecanismo psicológico del efecto, al que llamaron “oído visual”. Según ellos, muchos de nosotros estamos dispuestos a una sensibilidad específica a lo que sucede en la pantalla y, por lo tanto, incluso los videos silenciosos en este caso “producen” un sonido. Para algunos espectadores, el tren de “Arrival of a Train” era más que real, y el sonido rítmico de la película en el proyector sugería el sonido de las ruedas. Parecería que, de verdad, sin trucos psicológicos, la música llegó al cine a finales de los años veinte. Sin embargo, aquí tampoco todo es tan sencillo.
En The Theory of Cinema, Thomas Elsesser y Malte Hagener dicen que las películas siempre han estado llenas de sonido, solo que solía ser diferente a lo que estamos acostumbrados ahora. Además de la tradición japonesa de comentaristas de cine y doblaje de ruido, las películas también tenían una apariencia de banda sonora: durante las películas, tocaban el órgano de cine, un piano simple, las películas eran tocadas por una orquesta. Cada espectáculo era único. Por ejemplo, una de las películas mudas más grandes de la historia, Napoleón de Abel Hans, siempre se proyectaba con diferentes duraciones -de nueve a dos horas- siempre en tres pantallas y siempre acompañada de una orquesta que, según el país, podía tocar música completamente diferente.
Pero luego llega el sonido al cine, que trajo la imagen previamente bidimensional al espacio tridimensional. Gracias al sonido, vemos todo mucho más brillante y nos es mucho más fácil percibir y recordar lo que sucede en la pantalla. ¿Por qué está pasando esto? Investigadores de la Universidad Goldsmiths de Londres descubrieron que escuchar música afecta nuestra percepción de las expresiones faciales, actuando como una especie de efecto Kuleshov. Este efecto, conocido por todo editor, es el siguiente: un mismo rostro puede adoptar distintas expresiones según el fotograma que se muestre frente a él. De la misma manera, la misma canción puede funcionar de manera diferente en diferentes circunstancias.
Por ejemplo, tomemos el conocido Somewhere over the Rainbow de El mago de Oz: Dorothy interpretada por Judy Garland canta esta canción en Kansas, soñando que su vida podría cambiar. La misma canción en la clásica comedia romántica “You’ve Got Mail” hace que el final sea aún más conmovedor, y en “Meet Joe Black”, por el contrario, está diseñado para consolar al espectador que estaba molesto por el final. Sin embargo, en la reciente adaptación cinematográfica de A Star Is Born, Lady Gaga cantando esta canción se refiere simultáneamente a Judy Garland, quien interpretó la segunda versión de la historia clásica, y al hecho de que su heroína quiere que su vida finalmente cambie.
Las primeras bandas sonoras marcaron inicialmente el tono de las películas, el estado de ánimo adecuado, pero los temas de las películas musicales permanecieron en primer lugar en la memoria colectiva. Esto sucedió por una razón: en 1937, Disney adivinó lanzar un disco con la banda sonora de la nueva caricatura Blancanieves y los siete enanitos (que también es la razón por la cual todavía recordamos las canciones de allí). Una decisión exitosa con el lanzamiento de la banda sonora, la compañía aseguró una de las caricaturas más memorables de la historia, “Fantasy”, en la que los personajes animados interpretaron sketches bajo Mussorgsky, Bach y otros grandes compositores. La escena con Mickey Mouse, donde él, con la música de Paul Duke, se convirtió en aprendiz de un mago formidable, se convirtió en un culto. Los animadores trabajaron perfectamente con el ritmo de la música, por lo que la composición se volvió inseparable de la imagen.
Los propios compositores cinematográficos comenzaron a luchar por un merecido reconocimiento. A finales de los años treinta, los premios Oscar a la mejor banda sonora se otorgaban a la obra específica del compositor, y no al jefe de un taller especial, y para los años cincuenta el cine nos había dado muchos grandes maestros. Así es también Ennio Morricone, cuya música sin duda adornó los spaghetti westerns de Sergio Leone, llenando la imagen del Lejano Oeste de la necesaria atmósfera de aventura y peligro. Y Fumio Hayasaka, quien trabajó fructíferamente con Kurosawa y se inmortalizó con un solo tema para “Seven Samurai”. Y Bernard Hermann, que expresó a la perfección “Psicosis” de Hitchcock. Tomemos, por ejemplo, la famosa escena de la ducha. La música aparece en él solo en el momento en que el asesino abre la cortina: los acordes espasmódicos inquietantes están diseñados para confundir al espectador, desorientarlo. Cuando el asesino se va, la música se calma y ya expresa los últimos segundos del personaje principal. Tan pronto como su corazón se detiene, también lo hace la orquesta.
En los años sesenta, los directores intentan cada vez más utilizar música previamente grabada, y al final de la década, Stanley Kubrick y Mike Nichols logran el mayor éxito en esto. Ambos directores trabajan magistralmente con el ritmo: al comienzo de “2001: Una odisea del espacio” bajo “Así habló Zaratustra” de Richard Strauss, vemos cómo el Sol se eleva lentamente sobre la Tierra. Kubrick vacila, y gracias al ritmo pausado ya la música majestuosa, percibimos el amanecer como algo especial; Como resultado, esperamos algo especial de la película. Para Nichols, por el contrario, el final de The Graduate funciona a la perfección: el director no permite que comience la música del dúo Simon & Garfunkel, pero después de que los personajes están juntos, no se convierte en una composición animada en absoluto, sino en una desgarrador Sound of Silence, derribando la arrogancia tanto de los personajes principales como de la audiencia.
Strauss está indisolublemente ligado a A Space Odyssey para nosotros, al igual que Simon y Garfunkel lo están a The Graduate. El compositor y teórico del sonido Michel Chion cree que tales momentos deberían llamarse “sincresis”, un término que combina “sincronismo” y “síntesis”: una escena en la que eventos sonoros y visuales específicos se perciben como un fenómeno. Sin sincronización, dice Shion, el sonido no tendría tales posibilidades expresivas. Según Shion, mientras miramos una película, participamos en la audiovisión; él cree que el sonido trae una serie de efectos, sensaciones y significados que mejoran nuestra comprensión de lo que está sucediendo.
Otro ejemplo clásico de sincronización es la apertura de Star Wars. La música de John Williams que acompaña el texto de introducción de cada película está inextricablemente unida, si no con el momento en sí, al menos con la serie de películas. La música inmediatamente pone al espectador en el estado de ánimo adecuado: transmite una atmósfera de aventurerismo y coraje. Sin embargo, los primeros espectadores de Star Wars quedaron encantados con la música no solo por eso. Fue una de las primeras películas proyectadas con el nuevo sistema Dolby Cinema. Con la introducción de este sistema en los años setenta, el sonido se difundió en los cines de modo que sin importar dónde se sentara la audiencia, siempre se sintieran en el centro tanto de la sala como de los eventos.
La atmósfera es una descripción importante de lo que la banda sonora de la película ha estado tratando de transmitir desde los años setenta. Inicialmente, la banda sonora creó el ambiente, luego los compositores intentaron transmitir las emociones de los personajes principales, luego llegó el momento de la atmósfera. La historia de la creación de la banda sonora de la película “Halloween” es ampliamente conocida: el director John Carpenter tuvo que escribir la banda sonora él mismo, porque los productores reconocieron la película, sin música, nada aterradora, y simplemente no había dinero. dejado para el compositor. Para Carpenter, este no fue el primer trabajo en la creación de música para películas, pero fue “Halloween” lo que lo hizo famoso como compositor de películas. Para intimidar, el compositor usó un ritmo oscuro pero forzado con una melodía inquietante, y funcionó: ya desde la melodía del título en los créditos iniciales, Carpenter asusta al espectador.
Sin embargo, la tendencia principal de los años ochenta a cero en las bandas sonoras todavía no era la electrónica en absoluto, sino las colecciones de canciones. Cada época tenía su propio enfoque. En los años ochenta, las comedias de John Hughes, llenas de actores poco conocidos, marcaron la pauta. Mucha gente conoce el escenario de alegres bailes del Breakfast Club, pero la cantante Carla DeVito, que toca en este momento, es mucho menos humana. Esta escena es el clímax emocional de la película, y el hecho de que uno de los personajes encuentre accidentalmente una pista en la radio lo hace aún más real: ¿quién de nosotros no se ha encontrado en una situación en la que le gustaría bailar desde un ¿Escuchaste la canción sin darte cuenta? Las bandas sonoras de Hughes se han convertido en un modelo a seguir para cualquier película y serie sobre adolescentes, incluidas las modernas, como Stranger Things.
En los noventa, Quentin Tarantino y Danny Boyle mandaban: las bandas sonoras de Pulp Fiction y Trainspotting se convirtieron en culto. Tarantino buscó canciones adecuadas en las tiendas de discos, y encontró verdaderas joyas entre ellas, que al final encajaron perfectamente con su idea. Como, por ejemplo, sucedió con la versión de Urge Overkill de Neil Diamond: en la escena en la que esta canción suena de principio a fin, la composición al principio agrega algo de elegancia a lo que está sucediendo, pero luego resulta que fue más una premonición. de problemas inminentes. El estado de ánimo de la música nos dice lo que sucederá a continuación. La música de Boyle funciona de manera bastante diferente: en la introducción de Trainspotting escuchamos una versión instrumental (al principio) de Lust For Life de Iggy Pop. Su ritmo casi de marcha marca el ritmo de la película, y el tema de la canción, en parte dedicado a un traficante de heroína, sugiere de qué se tratará la película.
Si en la década de XNUMX la tendencia continuó tanto en animación como Shrek como en películas de autor, como Lost in Translation de Sofia Coppola, entonces a principios de la década de XNUMX llegó a su conclusión lógica como bandas sonoras de las películas de la serie Crepúsculo y Los juegos del hambre. El primer Crepúsculo estaba lleno de música que atraía a los adolescentes, desde Muse y Paramore hasta Radiohead y Linkin Park. Los fanáticos recuerdan la escena en la que los vampiros juegan béisbol con Muse: la estética del grupo se combina perfectamente con la saga de los vampiros modernos, y la intensidad de la composición se suma a la especia del episodio. Los productores, al ver el éxito de la banda sonora, pidieron a los músicos que grabaran composiciones completamente nuevas para la segunda parte; este esquema resultó tan popular que los Juegos del Hambre finalmente lo adoptaron.
Pero aquí surge la pregunta: ¿por qué nos gusta ver cómo funcionan en el cine canciones previamente conocidas o completamente desconocidas? ¿Por qué exactamente la música en las películas parece ser una de las cosas más emocionantes y por qué los críticos felizmente hacen listas de los mejores momentos musicales en las películas? Este texto ya ha hablado más de una vez de cómo el sonido se ha convertido en uno de los principales componentes de la película desde su aparición en el cine -pero no olvidemos que esto es ante todo música. Por lo tanto, para responder a la pregunta, vale la pena recurrir al estudio de la música, y no a la banda sonora: en términos de disfrute, funcionan exactamente de la misma manera. Según el trabajo de científicos canadienses de la Universidad McGill, mientras escuchamos música podemos recibir dopamina, un neurotransmisor responsable de la motivación. Entonces, durante una escena emocionante y memorable en una película, podemos experimentar alegría. Recordando la teoría de Shion, también podemos tener en cuenta que mientras vemos una película, nuestros sentimientos y empatía se agravan, por lo tanto, es mucho más fácil obtener dopamina mientras vemos una película.
Los investigadores modernos de bandas sonoras también escriben sobre la agravación de los sentimientos, pero en una vena ligeramente diferente. Sergi Casanelles dice que tras el término “hiperrealidad” conviene introducir el siguiente: “hiperorquestación”. Las bandas sonoras modernas se crean teniendo en cuenta las nuevas tecnologías, y desde el año 2000 hemos estado rodeados de sonido digital, y los compositores del presente trabajan de tal manera que pueden hacer que cualquier instrumento sea más real o tocar de una manera que ningún otro músico haría. desempeñar. Y todo con la ayuda de cambiar el tono, diferentes filtros y otras cosas que no solo usan los compositores de películas, sino cualquier músico en general.
Como buen ejemplo de hiperorquestación, Casanelles cita El origen de Christopher Nolan. En la composición de apertura Half Remembered Dream, Hans Zimmer trabaja de la manera habitual, animando la atmósfera con la ayuda de patetismo y acordes formidables, y perturbando ligeramente al espectador con la ayuda de un piano apenas audible. Los acordes tocados por la orquesta no se pueden reproducir en la realidad: ensordecen, te hacen creer en algo que obviamente es irreal, encanta.
Algunos creen erróneamente que las películas sobre músicos solo pueden interesar a los músicos. Esto no es verdad. Sí, la trama principal en ellos suele pasar por interminables ensayos, representaciones teatrales y relaciones con los miembros de la banda. Sin embargo, también están llenos de otros giros argumentales que cuentan la vida de los personajes, llenos de momentos tanto dramáticos como alegres. Las siguientes películas son un excelente ejemplo de esto. Se trata de sueños y metas, intentos de superar las dificultades que se encuentran en el camino de todos. No solo un músico.
“Eight Mile” (2002) – la historia de la formación de un músico de rap
- KinoPoisk: 7,7.
- IMDb: 7,1.
Eminem jugó el papel principal en esta imagen. Es por este hecho que muchos creen que es de naturaleza puramente biográfica. Este juicio es erróneo. Sí, la cinta sí se inspiró en la vida de un famoso rapero, pero aún se basa en ficción, no en hechos reales. En el centro de la trama de la película está Jimmy Smith, quien sabe bien lo que es la discriminación racial. Esto no es de extrañar, porque es un hombre blanco que vive en un barrio pobre en las afueras de Detroit. Trabaja en una fábrica, prueba suerte con la música y lucha para sobrellevar una vida dura en medio de organizaciones criminales. Su única oportunidad de abrirse paso es ganar la batalla del rap. Queda por usarlos.
“Pianist” (2002) – sobre un músico rodeado de nazis
- KinoPoisk: 8,5.
- IMDb: 8,5.
La película, que ganó tres premios Oscar, así como muchos otros premios del cine, cuenta la historia de un músico polaco de origen judío llamado Wladyslaw Szpilman. Curiosamente, sus hijos y nietos jugaron en la película, lo que solo aumenta su importancia. El protagonista de la cinta es aficionado a la música desde niño y con el tiempo se convierte en un virtuoso pianista. Sin embargo, esto no lo protege de las realidades del mundo cruel durante los años del nazismo. Termina en el gueto de Varsovia, donde tiene que olvidarse de sus brillantes habilidades, así como de una brillante carrera como músico. Sin embargo, Vladislav no se derrumba y sigue luchando por su destino. Esto es lo que se convierte en el centro de la trama de la película.
“Se trata de Pete Tong” o “Deaf span” (2004): la historia de un DJ sordo
- KinoPoisk: 7,7.
- IMDb: 7,3.
En el centro de la historia de esta imagen está Frankie Wilde. Su vida está muy ligada a la música, y es uno de los DJs más famosos del mundo. El protagonista de la película trabaja en las mejores discotecas de Ibiza, firma contratos con los principales sellos discográficos, posee una villa junto al mar y lleva una vida bastante salvaje. Cambia cuando, debido a un desprecio por su salud, comienza a perder rápidamente la audición. Todo lo que lo rodea comienza a colapsar instantáneamente, y en realidad se queda sin nada. Muchos creen que todo esto es una historia real. Esto se debe a que la imagen fue filmada en estilo pseudo-documental y llena de comentarios de verdaderas estrellas de la escena electrónica mundial: Tiësto, Carl Cox, Pete Tong, Paul van Dyck, etc.
“August Rush” (2007) – sobre un niño perdido
- KinoPoisk: 8.
- IMDb: 7,5.
Otra imagen fascinante que habla sobre la superación de las dificultades de la vida. En su centro hay un niño llamado Evan. Creció en un orfanato y enfrenta regularmente el acoso de otros niños adoptivos. El protagonista está extremadamente intimidado y muy retraído. Lo único en lo que encuentra consuelo es en la música. Oye melodías increíbles en los sonidos anodinos que lo rodean: la salida del sol, la caída de un pétalo seco, una ráfaga de viento. El niño cree que sus padres, Layla y Luis, están vivos y algún día lo sacarán definitivamente del orfanato. Resulta que eran músicos que mostraban una gran promesa.
“The Naked Drummer” (2008) – la historia del segundo intento
- KinoPoisk: 6,8.
- IMDb: 6,2.
La imagen con elementos de comedia y drama habla de Robert Fishman, a quien otros conocen mejor por el apodo de Fish. Una vez vivió solo para la música, tocó en el grupo Vesuvius y trató con todas sus fuerzas de convertirse en una estrella. Cuando está a un paso de su objetivo, su vida da un vuelco. Unos años más tarde, el grupo está en lo más alto de las listas, pero sin él. El personaje principal trabaja en un call center y no busca cambiar su destino. Sin embargo, en un buen momento tiene la oportunidad de volver a intentar convertirse en una estrella y mostrar su verdadero talento al mundo entero. Sin embargo, esto será muy difícil de hacer.
“If I Stay” (2014) – sobre decisiones difíciles
- KinoPoisk: 6,9.
- IMDb: 6,7.
Una de las películas más dramáticas de esta colección. En el centro de la trama se encuentra una adolescente, Mia Hall, que está loca por tocar el violonchelo. Ella cree que el momento más difícil de su vida será la elección entre la música y una relación con un chico llamado Adam, quien, como alguna vez sus padres, está seriamente involucrado en la música rock y toca en una banda. Todo cambia dramáticamente cuando ella se encuentra entre la vida y la muerte. Ahora depende de ella decidir cuál de estas direcciones elegir. Resulta muy difícil tomar esta decisión. Es lo que se convierte en la base de la historia de esta imagen sentimental, que definitivamente atraerá no solo a los músicos.
“Obsesión” (2014) – una historia de trabajo duro
- KinoPoisk: 8,3.
- IMDb: 8,5.
Teatro psicológico. En el centro de su narrativa está el conflicto entre un talentoso baterista llamado Andrew y un déspota líder de una banda de jazz, Terrence. Este último se caracteriza por un desprecio por las personas. Lo más importante para él es el perfecto desempeño de la reproducción musical. Nada más importa. En esta carrera musical, no se confunde con los destinos humanos y sacrifica fácilmente sus vidas. Andrew entiende perfectamente todo esto, pero decide intentar jugar en el equipo de Terrence. Para ello, tendrá que sacrificar cualquiera de sus otros deseos. La única pregunta es si tiene algún sentido.
“Bohemian Rhapsody” (2018) – sobre los altibajos
- KinoPoisk: 8.
- IMDb: 7,9.
La película, basada en hechos reales, cuenta el increíble éxito de Freddie Mercury en particular, así como del grupo Queen en general. La historia del equipo comienza en 1970 con la vida de un simple estudiante británico llamado Farukh Bulsar. Cambia su nombre y reúne a un grupo musical que está ganando popularidad rápidamente debido a un enfoque verdaderamente nuevo para interpretar composiciones y al carisma genuino de los miembros de la banda. Por supuesto, incluso asociaciones tan exitosas no solo tienen rayas blancas, sino también negras. Sin embargo, incluso ellos pueden superarse si está en juego el estatus de leyenda en la industria del rock.
“A Star Is Born” (2018) – la historia de una pequeña reunión
- KinoPoisk: 6,8.
- IMDb: 7,6.
El cuarto remake de la película de 1937 del mismo nombre. Recibió numerosas nominaciones al Oscar en 2019 y también ganó un premio por la incomparable canción Shallow, que se reprodujo durante la narración. En esencia, la película es un musical. En su centro se encuentra un cantante de blues llamado Jackson, cuya carrera se dirige hacia su final. Intenta encontrar consuelo en el alcohol y las drogas, pero inesperadamente conoce a Ellie, una mesera que realmente quiere cantar. Un conocido fatal cambia la vida del protagonista de la imagen, así como la de su acompañante. Su popularidad empieza a crecer, y parece que se convertirán en auténticas estrellas.
“Green Book” (2018) – sobre la intolerancia hacia las personas
- KinoPoisk: 8,3.
- IMDb: 8,2.
La película narra el viaje real por el sur de los Estados Unidos del popular pianista de jazz negro Don Shirley y del más sencillo chofer Tony Vallelonga, quien antes trabajaba como portero en un club nocturno. Durante la reunión, a este último se le entrega una copia del Libro Verde, que es una guía de América para los negros. La trama se desarrolla en 1962, cuando era extremadamente difícil para los representantes de esta raza viajar por el país sin esa guía. Sin embargo, los personajes principales de la película todavía enfrentan una actitud discriminatoria que es casi imposible de superar incluso con un gran talento musical.
